Introducción
.....La incontestable y decisiva influencia de Caravaggio en la pintura se hizo sentir, sobre todo, allí donde él ejerciera su magisterio, aquellos que fueron, además, dos de los focos más radiantes de la cultura pictórica del momento: Roma y Nápoles. Dos ciudades que jalonarían la biografía y el estilo del lombardo. En la primera: el esplendor, la madurez, el reconocimiento y el éxito. En la segunda: el exilio, la plenitud del estilo, la originalidad, la etiqueta de artista maldito. La leyenda se forjaría en ambas, y también en Malta y Sicilia, en la etapa final. Pero es en esos dos focos artísticos donde se creó escuela, donde el caravaggismo permeó a las generaciones siguientes. No hay que olvidar que en aquel tiempo Roma era el Estado Vaticano, la corte papal, el mecenazgo cardenalicio; y que el Reino de Nápoles era parte, como virreynato, de la Corona española, con toda su cohorte de nobles e instituciones religiosas dispuestos a promocionar el arte. Así, con la fuente financiera diversificada (no olvidar que, además de estas dos fuentes económicas, existían en Italia: Venecia, Génova, Florencia y, en menor medida, Las Marcas, con sus propias fuentes de financiación), los artistas podían moverse de un territorio a otro buscando dónde fueran más favorablemente acogidos —y, por ende, mejor pagados.
.....Roma, qué duda cabe, era, en aquel tiempo de Contrarreforma, el centro artístico de Occidente por antonomasia —no era ajeno a ello la determinante circunstancia de que en Roma estuviera la sede Papal, con su labor de mecenazgo y su valor como foco de irradiación de la moda estilística marcada por el rigor eclesiástico dimanado de las altas jerarquías —cultas jerarquías, proclives a la promoción y el coleccionismo de arte. En la Ciudad Eterna se marcaba el paso del tiempo pictórico ya desde el Renacimiento y allí surgiría también el Barroco. Un Barroco del que Caravaggio fue uno de sus protagonistas principales, por su originalidad, su carácter y su genio, pero también por su sentido dramático, esa innovadora teatralidad que inspira a sus cuadros y sus composiciones, una teatralidad que no es más que puro naturalismo, en reacción al idealismo con que hasta entonces se habían tratado los grandes temas de la pintura: los mitológicos, los bíblicos, los históricos, los alegóricos y las escenas de género (con su corto recorrido, pues éste género recién llegó a la pintura en el Renacimiento tardío).
.....Caravaggio fue un revolucionario del color y de la luz. Capaz de crear un ambiente lleno de tensión y significado con una exigua gama de ocres, leves y sabios toques de color y una luminosidad casi fantástica. Fundador de lo que se conocería como tenebrismo, supo transmitir al lienzo toda la turbadora tensión de las atmósferas sumidas en la penumbra y la oscuridad (atmósferas escénicas donde la acción comporta una gran carga psicológica); pero también supo comunicar, en su primera época romana, todo el optimismo vitalista y la sensualidad propios de una paleta cromática vigorosa. Los fondos le son prescindibles. No llena el cuadro de motivos, se centra en lo esencial. El mensaje es directo, la impresión nítida. Ya sea por medio del color, ya por medio de la luz, Caravaggio logra insuflar en la pintura una nueva perspectiva que, superando un clasicismo alambicado, abrirá el camino a las tendencias más modernistas (sí, el también será heraldo del realismo, el romanticismo y, en cierto modo —como Goya, después— de un incipiente impresionismo).
.....Roma dará lugar a los epígonos más coloristas de Caravaggio, los deudores de su primera época; Nápoles será más bien el reflejo de su etapa más claroscurista. Orazio y Artemisia Gentileschi, y en menor medida Bartolomeo Manfredi, serán los abanderados de esa coloratura caravaggesca, de esa fuerza expresiva del dibujo miguelangelesco o rafaelesco —concesión o guiño estilístico a la Escuela Boloñesa de los Carracci— que son propias del primer Caravaggio. José de Ribera (Giuseppe Ribera lo Spagnoletto), Battistello Caracciolo, Massimo Stanzione y Mattia Preti son los valedores tenebristas napolitanos del postrero caravaggismo.
.....Son dos momentos, dos tendencias estilísticas, y aunque Bartolomeo Manfredi sea el encargado de transmitir directamente el estilo más tenebrista de Caravaggio a través de su taller a los muchos artistas llegados a Roma desde toda Europa (incluidos los componentes de la Escuela de Utrech y los franceses —Vouet, Boulogne, Tournier), serán padre e hija Gentileschi, más independientes, quienes reflejarán en su obra, y pasearán por Europa, el estilo más vitalista y colorista del maestro lombardo (principalmente Francia —París— e Inglaterra —Londres). Aquí, en este post dedicado a Bartolomeo Manfredi y Orazio Gentileschi, y en el siguiente, dedicado a Artemisia Gentileschi, se tiene una ocasión inmejorable para poder comparar a estos tres pintores romanos y su diversa opción por las características caravaggistas más afines a su talento. En los dos posts siguientes podrá apreciarse semejante comparativa entre los epígonos napolitanos del Caravaggio del exilio.
Los epígonos de Caravaggio en Roma (1)
.....Los seguidores romanos de Caravaggio fueron más que los tres que serán objeto de mi atención en esta serie, pero este trío está considerado como el más importante de todos ellos: Bartolomeo Manfredi, del que existen pocas dudas sobre su identidad como ayudante de Caravaggio en el taller que éste tuvo en Roma hasta 1606, en que tuvo que salir precipitadamente hacia el exilio acusado de homicidio; Orazio Gentileschi, pintor toscano contemporáneo de Caravaggio, y de inicial formación manierista; y la hija de éste, Artemisia, cuya leyenda supera sus propios —y muchos— méritos como artista para nutrirse de un aspecto, si no feminista, sí de mujer fuerte, paradigma de carácter y talento artístico —circunstancias a la que habrá que añadir, además, un oscuro asunto biográfico, a través del cual, quiérase o no, se tenderá a ver toda su obra: la violación sufrida en su juventud por parte de Agostino Tassi, colaborador de su padre, y el posterior juicio —proceso inquisitorial—, cuyas actas han llegado hasta nosotros.
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Bartolomeo Manfredi
.....Poco sociable, aunque refinado, sería el elegido por los numerosos artistas del Norte llegados a Roma para aprender las innovaciones estilísticas del polémico Caravaggio; lo que no habla mal de su capacidad artística. Aún hoy en día es difícil dictaminar la atribución de diversas obras que tan pronto se adjudican a Boulogne, como a Tournier o a Manfredi, y no es descabezado pensar que la mano de más de uno de ellos pueda estar presente en esos cuadros de dudosa atribución (realizados, pues, en el taller del cremonense por uno u otro). Se le tiene —demasiado aventuradamente en mi opinión— como el transmisor más determinante de la temática de bajos fondos, del ambiente tabernario y jugador (no olvidemos que estos temas ya estaban en el primer Caravaggio), y, aunque esto pueda ser discutido, sí cabe conceder que fuera él quien insuflara a esta temática de género (que en el lombardo estaba plasmada con una estética colorista y desenfadada) su estética claroscurista, vecina del tenebrismo.
.....Entre la cuarentena de obras que se le atribuyen, posee varias de enorme calidad y originalidad, como es el caso de la soberbia y caravaggesca Cupido castigado (por Marte), o las sobresalientes Apolo y Marsyas, Alegoría de las cuatro estaciones, Cristo arrojando a los mercaderes del templo, El tributo del César, Cristo coronado de espìnas o Reunión de bebedores.
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Orazio Gentileschi
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.....(Pisa, 1563-Londres, 1639). Pintor italiano. Más conocido por su apellido materno, Gentileschi había nacido en Pisa y era hijo de un orfebre florentino. En 1576 o 1578 se trasladó a Roma, y allí encontró trabajo en los grandes talleres que ejecutaban ciclos decorativos en el Vaticano y las basílicas. Sus obras identificables de la década de 1590, frescos en su mayoría, se encuadran en el tardomanierismo convencional, pero su estilo dio un giro radical a partir de 1600 gracias al conocimiento de Caravaggio, con quien parece haber tenido amistad. El caravaggismo de Gentileschi tiene un tono lírico muy refinado, como se aprecia en su San Francisco sostenido por un ángel (Prado), datable en los primeros años del nuevo siglo......Hay cuatro "momentos" en la carrera profesional de Orazio Gentileschi, que no denotan, por otra parte, otras tantas derivas estilísticas, sino que son meras etapas profesionales:
1. Una primera etapa, que transcurriría en Roma, entre los años 1599 y 1621.
2. Una segunda etapa, incardinada en la anterior y desarrollada a caballo entre Roma y Las Marcas (Ancona, Fabriano), trabajando para clientes romanos, entre 1613 y 1619.
3. Una tercera etapa, en Génova, durante tres años, donde trabajó para el aristócrata Giovanni Antonio Sauli y el príncipe Marcantonio Doria, entre 1621 y 1624.
4. Una cuarta etapa de dos años, en París, trabajando para María de Médicis.
5. Y una quinta y última etapa, en Londres, entre 1626 y el año de su muerte, 1639. Acudió allí reclamado por George Villiers, I duque de Buckingham, a la sazón primer ministro del Rey Carlos I de Inglaterra. Allí trabajó, así mismo, para la reina María Enriqueta, esposa de Carlos I.
.....La década de 1600 fue un periodo brillante de su carrera, en el que diseñó mosaicos para la bóveda de San Pedro y pintó varios cuadros de altar, entre ellos el Bautismo de Cristo para la iglesia romana de Santa María de la Paz (1607). En 1611-1612 decoró al fresco el Casino de los Museos para el cardenal Scipione Borghese, sobrino del papa Pablo V, con figuras dispuestas a lo largo de un balcón dentro de una compleja arquitectura fingida del florentino Agostino Tassi. Hizo también exquisitas pinturas de gabinete sobre alabastro y cobre. En la primavera de 1611 su hija Artemisa, también destinada a ser pintora eminente, fue forzada por Tassi. El violador fue juzgado y encarcelado por poco tiempo, pero parece ser que el papel de acusador de Orazio y la intervención de amigos poderosos de Tassi dañaron gravemente sus perspectivas de trabajo en Roma, por lo que en la década de 1610 aceptó encargos de las opulentas iglesias y monasterios de Las Marcas.
.....En 1621 Gentileschi fue a Génova llamado por el aristócrata Giovanni Antonio Sauli e inició allí una etapa muy afortunada de su actividad. En Génova su estilo adquirió un carácter más solemne y teatral (Lot y sus hijas, h. 1622, J. Paul Getty Museum, Los Ángeles). Desde allí envió obras al duque Carlos Manuel I de Saboya en Turín, y en 1624 entró al servicio de la reina María de Médicis en París. En la capital de Francia pintó una figura alegórica de La Felicidad pública (1625, Musée du Louvre, París), y también un Descanso en la Huida a Egipto y una Magdalena penitente (1625-1626, Kunsthistorisches Museum, Viena), que fueron adquiridas para la colección del I duque de Buckingham, favorito y ministro principal de Carlos I de Inglaterra.
.....A instancias de Buckingham se trasladó a Londres a finales de septiembre de 1626. Carlos I le asignó una pensión de cien libras, pero Gentileschi trabajó sobre todo para Buckingham (que murió en 1628) y después para la reina Enriqueta María. Al periodo londinense pertenecen Lot y sus hijas (1628, Museo de Bellas Artes de Bilbao), Moisés salvado de las aguas (comienzos de la década de 1630, colección particular, Inglaterra) y José y la mujer de Putifar (comienzos de la década de 1630, Royal Collection, Hampton Court, Herefordshire). Lo más importante de su producción inglesa fueron las telas que pintó para el techo del gran salón de la Queen's House con una Alegoría de la Paz y las Artes (1635-1638), que se conservan mutiladas en la Marlborough House de Londres. En la corte de los Estuardo, Gentileschi se vio eclipsado por Rubens, que estuvo en Londres en 1629-1630, y después por Van Dyck, que llegó en 1632. Una carta de 1633 revela su deseo de regresar a la Toscana. Pintó una segunda versión del Moisés y se la envió al rey Felipe IV de España (1632-1633, Prado) con la esperanza de granjearse su apoyo para una repatriación honrosa. Pero, finalmente, permaneció en Londres, donde murió el 7 de febrero de 1639.
(Datos biográficos completados con la web del Museo del Prado)
GALERÍAS
Bartolomeo Manfredi
1588-1622
ESCENAS DE GÉNERO
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Bartolomeo Manfredi - Bacchus and a Drinker, ca 1621-22
(Galleria Nazionale d'Arte Antica)
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Bartolomeo Manfredi - Bacchus and a Drinker, ca 1621-22
(Galleria Nazionale d'Arte Antica)
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Bartolomeo Manfredi - Faune avec un grappe de raisin et une flûte, vers 1610-1620
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Bartolomeo Manfredi - Faune avec un grappe de raisin et une flûte, vers 1610-1620
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Bartolomeo Manfredi - The fortune teller, 1616
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Bartolomeo Manfredi - Fortune Teller, 1616
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Bartolomeo Manfredi - Fortune Teller, 1616
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Bartolomeo Manfredi - Il Concerto musicale (1610-1620 ca.)
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Bartolomeo Manfredi - Il Concerto musicale (1610-1620 ca.)
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Bartolomeo Manfredi - Lute player
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Bartolomeo Manfredi - Mann beim Frühstück
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Bartolomeo Manfredi (Henri Laurent, après de) - Assemblée de Buveurs (Assembly of drinkers)
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Bartolomeo Manfredi (Henri Laurent, après de) - Assemblée de Buveurs (Assembly of drinkers)
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Bartolomeo Manfredi - Soldats jouant aux cartes
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Bartolomeo Manfredi - Soldiers Playing Cards, 1613-18
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Bartolomeo Manfredi - The Guard Room (attr. to Valentin de Boulogne)
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ESCENAS ALEGÓRICAS, MITOLÓGICAS Y BÍBLICAS
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Bartolomeo Manfredi - Allegory of the Four Seasons (c. 1610)
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Bartolomeo Manfredi - Allegory of the Four Seasons (c. 1610)
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Bartolomeo Manfredi - Carità Romana
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Bartolomeo Manfredi - Apollo and Marsyas
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Bartolomeo Manfredi - Apollo and Marsyas (detail)
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Bartolomeo Manfredi - Cupid chastised, 1613 (AIC)
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Bartolomeo Manfredi - Cupid chastised, 1613 (AIC)
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Bartolomeo Manfredi - Cupid chastised, 1613 (AIC) (detail)
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Bartolomeo Manfredi - Cupid chastised, 1613 (AIC) (detail)
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Bartolomeo Manfredi - Dedalo e Icaro
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Bartolomeo Manfredi - Midas Washing at the Source of the Pactolus, ca. 1617-19
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Bartolomeo Manfredi - Midas Washing at the Source of the Pactolus, ca. 1617-19
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Bartolomeo Manfredi - Cain killing his Brother (c 1610)
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Bartolomeo Manfredi - Cain killing his Brother (c 1610)
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Bartolomeo Manfredi - Bartolomeo Manfredi, Cain and Abel, c.1615
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Bartolomeo Manfredi - David and Goliath (The Triumph of David), 1615 (Musée du Louvre)
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Bartolomeo Manfredi - David and Goliath (The Triumph of David), 1615 (Musée du Louvre)
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Bartolomeo Manfredi - Sacrificio di Isacco, c. 1620-1625
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Bartolomeo Manfredi - St John the Baptist, ca. 1610
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Bartolomeo Manfredi - Saint John the Baptist
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Bartolomeo Manfredi - Soldado portador de la cabeza del Bautista
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Bartolomeo Manfredi - Head of St John the Baptist
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Bartolomeo Manfredi - Christ Driving the Merchants from the Temple, 1616-17
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Bartolomeo Manfredi - Christ Driving the Merchants from the Temple, 1616-17
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Bartolomeo Manfredi - Tributed to Cesar (Galleria degli Uffizi)
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Bartolomeo Manfredi - Tributed to Cesar (Galleria degli Uffizi)
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Bartolomeo Manfredi - The Capture of Christ
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Bartolomeo Manfredi - The Flagellation
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Bartolomeo Manfredi - Crowning with Thorns
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Bartolomeo Manfredi - Christ crowning with torns
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Bartolomeo Manfredi - Christ crowning with torns
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Bartolomeo Manfredi - Christ crowning with torns
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Bartolomeo Manfredi - The Mocking of Christ
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Bartolomeo Manfredi - The Mocking of Christ
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Bartolomeo Manfredi - The denial of Saint Peter
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Bartolomeo Manfredi - Saint Jerome
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Bartolomeo Manfredi - Santi Pietro e Paolo, 1610 ca
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Bartolomeo Manfredi - Saint Sebastian
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Bartolomeo Manfredi - The Martyrdom of Saint Bartholomew, c. 1610
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(Galleria Nazionale d'Arte Antica)
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(Galleria Nazionale d'Arte Antica)
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ESCENAS ALEGÓRICAS, MITOLÓGICAS Y BÍBLICAS
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Orazio Gentileschi
1563-1639
ESCENAS MITOLÓGICAS, ALEGÓRICAS, HISTÓRICAS Y DE GÉNERO
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(Ceiling painted for the Queen's House, Greenwich), 1635-38
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ESCENAS BÍBLICAS
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Orazio Gentileschi - Christ Carrying the Cross, 1605-07
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Orazio Gentileschi - Mary Magdalene
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